PELPASS FESTIVAL

Malaka se caractérise par la voix de 2 sœurs. Deux grains très distincts, mis à contribution pour aborder la vie au naturel, accompagnés d’un jeu épuré. Une invitation à apprécier la simplicité d’une musique porteuse de messages à la frontière du folk et de la soul. Avec les sœurs de Malaka, la musique prend une nouvelle dimension, où les voix fusionnent pour créer une expérience musicale envoûtante, une terre nouvelle sur laquelle s’aventurer.

Dans une ère où les étiquettes musicales ne définissent plus le son d’un.e artiste, crenoka se révèle comme un exemple éclatant de créativité débridée. S’inspirant d’une multitude d’icônes musicales, allant des légendes de la pop comme Madonna et Beyoncé aux pionnières avant-gardistes telles que Björk et Grimes, en passant par des innovateur.ices underground comme Ana Roxanne, LCD Soundsystem, Vegyn, Danny L. Harle, Caroline Polachek et Shygirl, crenoka propose un style polymorphe de pop alternative résolument unique.

À la frontière du rock, du r’n’b et de l’hyperpop, crenoka dévoile aujourd’hui son premier album solo, eidolon (2024), produit en étroite collaboration avec son ami Pierre Cheguillaume (Zaho de Sagazan, Degree, Yoa…). Avec audace et ingéniosité, elle capture ses sensibilités pop, rendant hommage à l’âge d’or des années 90 et 2000, enveloppée d’une ambiance paisible évoquant des rêveries éthérées peuplées de chiens, de chats et de la figure énigmatique de Timothée Chalamet…

Fincher est le nouveau projet lancé par J. Lemon, figure reconnue de la scène post, punk et screamo depuis une quinzaine d’années. Auteur-compositeur, musicien, vidéaste et fondateur du label Itawak Records, J. Lemon commence à composer Fincher en 2022 après une pandémie mondiale et une période humainement et artistiquement complexe. Mû par l’envie de tout remettre à plat, il fait appel à plusieurs musiciens de la scène alternative pour donner corps à ce projet. Fincher puise son inspiration dans le rock libre et décomplexé des années 90, et revient aux fondements des influences communes à toute une génération. Tantôt vintage, tantôt moderne, comme pour utiliser les souvenirs d’une époque où l’on voulait tout brûler, pour gérer nos angoisses d’aujourd’hui. Une narration sincère, ancrée dans une atmosphère mélancolique, pilier de l’ADN rock du groupe.

Le Lou, c’est l’insolence et la douceur réunis sur un même projet. Rappeur queer affirmé, il vient déranger le rap francophone avec de nouvelles histoires, mais c’est tout le monde qu’il a envie de faire danser avec lui. Pudique mais franc tireur, il se joue des codes et apporte une nouvelle saveur dans le pique nique. Avec une présence live qui ne laisse pas indifférent, la scène est son terrain de jeux préféré et il a hâte de vous rencontrer.

Forts de 13 ans de carrière, de trois albums à leur actif et de tournées internationales ayant conquis des scènes prestigieuses (Quai Branly, Mela Festival, Festival du Bout du Monde, Fiest’A Sète, Jazz sous Les Pommiers, Sfinks Festival…) les Chiliens Calle Mambo s’imposent aujourd’hui comme un des groupes phare dans le renouveau des musiques latines.

Leur force : des compositions riches et audacieuses, fusionnant une dizaine d’instruments traditionnels d’Amérique Latine (charango, tiple, quena, zampoña, ronrroco, toyos, cuatro…) avec des sonorités électroniques, urbaines et des rythmes populaires (huayno, timba, caporal, cumbia…) Une alchimie puissante entre modernité et tradition ! Sur scène, une véritable tornade : un univers musical singulier et une immersion captivante dans les musiques d’Amérique latine !

Oddisee est un rappeur, producteur et compositeur soudano-américain originaire de Washington, D.C., reconnu pour son écriture incisive et ses productions soulful. Après s’être fait remarquer au sein du groupe Diamond District, Oddisee a construit une carrière solo, marquée par des projets salués pour leur sincérité et leur richesse musicale. Son dernier album studio, To What End (2023), sorti sur son propre label Outer Note, confirme son engagement à interroger identité, communauté et société, tout en repoussant les frontières sonores du hip-hop.Derrière le micro ou à la production, Oddisee s’impose comme l’une des voix les plus respectées du rap : un artiste qui transforme la réflexion en rythme. En assurant les premières parties de De La Soul et The Roots pour leur tournée en 2026, il vient encore renforcer sa réputation d’artiste à l’impact aussi puissant sur scène que sur disque.

Il sera accompagné de Heno., un artiste et producteur éthiopien-érythréen à la polyvalence sans limite, reconnu pour sa grande polyvalence et ses collaborations marquantes (Mick Jenkins, JPEGMAFIA ou encore Chaz Bear de Toro Y Moi…)

Inouïs du printemps de Bourges, sélection du Fair, Bars en Trans… LA révélation rock 2025-2026 a un nom : Copycat.

Avec leur premier EP morning routine (2025), Apolline et Zoé nous embarquent avec le smile – mais pas que – dans toutes les galères de leur vingtaine et livrent une bombe d’énergie pour affronter la journée et rendre le chaos sexy. Une basse bleue, une guitare rouge, une boite à rythmes : a va dans tous les sens dans la tête de ces deux meufs qui scrollent d’une émotion à une autre dans une pop vénère. Ça écoute La Femme, Thérapie Taxi, Fontaines D.C., Charli XCX. .. Dans leur copycarnet, on trouve un polaroïd de leur dernière soirée entre potes, un florilège des meilleures citations de mecs relous dans les bars. Juste en dessous, il y a l’amour à distance, le corps qu’on accepte ou non, qu’on blesse, l’ado qu’on était, qu’on finit par accepter. Et tout ça, ça fait des concerts survitaminés et nécessaires : on rit, on danse et on pense.

Sam Sauvage, originaire de Boulogne-sur-Mer, incarne une nouvelle voix indomptable de la pop française. Nommé aux Victoires de la Musique en tant que Révélation masculine, il vient de sortir son premier album, Mesdames, Messieurs !, un disque intense où l’intime, le social et le politique se percutent sans détour. C’est avant tout sur scène que Sam Sauvage impose pleinement sa singularité. Une voix puissante et un corps en tension servent une interprétation sans artifice forgée à force de concerts, de festivals et de premières parties (Zaho de Sagazan, Eddy de Pretto, Clara Lucian, Feu! Chatterton…). Chaque concert est une décharge émotionnelle, où l’urgence du propos et la sincérité de l’interprétation laissent une empreinte durable. Sam Sauvage est un artiste de l’instant, du risque, du vivant.

TedaAk est une identité artistique qui s’invente et s’écrit au travers des esthétiques Tekno, rap, punk et Queer. Usant de l’absurde et de la dérision, il aborde sans réserve des sujets tabous tels que la religion, la police, la sexualité ou le genre. De ces créations par association d’idées, déconstruction et collages, émergent des pièces délirantes, chargé de sens et d’intention, mais également des histoires et des imaginaires dans lesquels la poésie se révèle avec ou sans ironie. Principalement actif sur le plan musical et sonore, TedaAk vise à s’ouvrir aux arts visuels et performatifs, toujours à la recherche de nouvelles formes d’expressions, plus mouvantes, plus déroutantes et plus sincères.

Gen émerge progressivement comme un des talents prometteurs de la nouvelle scène rap francophone. Après avoir capté l’attention avec son EP Dog Day, Gen enchaîne et confirme avec le percutant « Gennifer », un six titres musicalement dense avec pour fil conducteur une relation amoureuse qui se dévoile au fil d’une narration unique. Il a pu défendre ce projet sur scène pour son tout premier concert dans l’historique salle parisienne de la Boule Noire, avec un complet en moins de 24h. Une musique qui se veut directe, tout en étant subtile. Les textes du rappeur parisien lorgnent entre introspection et analyse du monde qui l’entoure pour s’intégrer dans une proposition qui se veut résolument moderne et unique mais en continuation du large héritage du hip-hop français. S’aidant d’une riche palette musicale nourrie par des influences éclectiques où peuvent cohabiter instrumentales Détroit et sonorités électroniques, la musique de Gen s’inscrit toujours dans un mélange des styles, mais jamais dans le compromis.

Esthétique néon-trash, électro radicale aux inspirations hyperpop et drum’n’bass, riffs de guitare insolents, textes hypersensibles et impudiques : c’est la recette du projet GRAPHY-T avec leur premier EP Trash-Tag. GRAPHY-T est un projet qui se veut personnel et militant par la catharsis qu’il procure, par la danse qu’il invoque et non par des longs discours. Si les paroles en français ont pour but d’atteindre le plus directement possible ses auditeurices, la priorité est au plaisir pur et simple de la musique et de ce qu’elle peut procurer aux corps. Neve et Sasha crient au monde leurs vérités queers et féministes avec l’envie d’en faire une affirmation simple.

En s’engageant tête baissée dans les contre-allées du Massif Central, Brama exprime pleinement la transe d’un rock psychédélique farouche et authentique, celui qui rince la tête et fait décoller très loin, une claque vertigineuse qui remet immédiatement les idées en place. Guitare, basse, batterie en état d’hypnose, vielle à roue transfigurée passée à la pédale, bourdon taraudeur et chants en occitan lumineux, Brama fait valser les clichés, en allant puiser dans la tradition populaire et les contre-culture de quoi modeler le plus contemporain des discours. Expérimental et libre comme l’air, le groupe s’empare à bras le corps d’un folklore solaire et rayonnant, où l’on danse avec force sueur et moult rage, pour redessiner les traits d’une poésie orageuse, un DIY pétaradant et polyphonique aux accents noise et au doux parfum de drone.

Toujours solaire et hypnotique, Brama vous invite dans une cérémonie à la croisée d’une tarentelle et d’une messe rock’n’roll psychédélique. La vielle à roue en orgue liturgique, la guitare/basse en sujet exorcisé et la voix chamanique, maitresse du culte.

Contrairement à ce que son nom pourrait laisser penser, Michel Hubert n’a ni 80 ans, ni les cheveux blancs. Il ne fait ni de la guitare, ni du piano et il ne chante ni « Les lacs du Connemara », ni « La groupie du pianiste ». En réalité, il est à l’opposé de tout ce que vous imaginez. Imprévisible et versatile son imagination est sans limite. Un seul mot d’ordre : la Fiesta ! Michel Hubert c’est la tempête après le calme, le feu après la fumée. Devant les foules il se transforme et le public se transcende. Roi du spectacle, il met en scène ses morceaux grâce à des décors et costumes uniques. Véritable tourbillon d’énergie, impossible de rester assis !

Exutoire du montréalais Raphaël Pépin-Tanguay, Velours Velours trace sa route depuis 2022, année de la sortie de son premier EP Fauve, coréalisé avec l’illustre Philippe Brach. Sa pop décomplexée, avec un penchant indie folk tantôt teintée d’accents rétro, tantôt brûlante de jeunesse, séduit rapidement un public toujours plus large. Velours Velours a également marqué les esprits avec ses prestations scéniques sur toutes les scènes et festivals du Québec et puis plus récemment en France, notamment au Printemps de Bourges. Le 31 janvier 2025, il a dévoilé toutes ses couleurs sur son premier album Quand je pleure, je suis content. À la fois ambitieux et intime, tendre et passionné, cet opus a été distingué par la Sélection FIP à sa sortie, confirmant l’émergence d’une voix singulière et sincère dans la nouvelle scène pop francophone.

Melina est née dans une famille où la transmission orale de la musique traditionnelle occupe une place centrale. D’origine grecque, elle porte cet héritage à travers sa voix, riche en ornementations mélismatiques et en profondeur émotionnelle. Elle s’est formée de manière approfondie au chant et au oud au Conservatoire de Musiques Orientales de Gennevilliers, et a poursuit l’étude des musiques traditionnelles en Grèce. Après ce temps de recherche et d’apprentissage, Melina lance son propre projet musical : un univers poétique, urbain et teinté de magie, où se mêlent musiques traditionnelles et influences pop. Elle s’entoure de musiciens virtuoses pour donner vie à une esthétique singulière, sensible et puissante. Son premier EP, prévu pour juin, en est la première manifestation.

Le duo invente un rock du désert qui appelle la danse, connaît bien la techno, et aime les larges mélodies hypnotiques qui sonnent familières à nos oreilles. Le son d’Oasis Boom est très librement inspiré de Maloya et de musiques mandingues. Le synthétiseur se frappe avec des baguettes de batterie et les tickets de métro se coincent dans les cordes de guitare comme s’il y avait du sable un peu partout. Les tourneries puissantes semblent venir de loin, d’autres font sourire et rappellent des musiques de jeux vidéo, des mélodies se déploient, bercent et englobent, des blagues parfois et la musique électronique qui rôde. Ces deux musicien.ne.s, très actif·ve·s sur la scène lyonnaise et parisienne se rencontrent en 2021. Nouveau lauréat Jazz Migration, le groupe sort son premier album Cactus Busen 2025 chez Dur & Doux.

Ce quintette franco-malgache explore les nouveaux sons et les rythmes endiablés du tsapiky, une musique trance récente issue des danses poussiéreuses du sud-ouest de Madagascar. Dans le prolongement de la collaboration entre Electric Vocuhila et les musiciens de Behaja, groupe phare du tsapiky moderne, cette nouvelle formation crée une combinaison unique avec le saxophone, mêlant tsapiky, jazz (libre) et rock.

Les shitpunks queer et véganes Joe & The Shitboys se sont formés avec l’intention de dénoncer les comportements toxiques et conservateurs dans les îles Féroé, où la scène rock fait malheureusement face à une homophobie et misogynie banalisées. Leurs concerts sont débordants d’énergie, avec un déluge de morceaux souvent longs de moins d’une minute, entrecoupés par le chanteur flamboyant qui enchaîne les vannes et démonte le public sans relâche. À ce jour, le groupe a sorti trois albums, tous salués par la critique malgré leur durée non conventionnelle (aka punk) de seulement 10 minutes.

Parmi leurs nombreux et fervents soutiens, Iggy Pop a récemment qualifié Joe & The Shitboys de groupe le plus excitant du monde à l’heure actuelle. Après avoir utilisé leur nouveau single « MR. NOBODY » comme musique d’entrée de scène pour plusieurs concerts, il les a invités à rejoindre sa tournée britannique de 2025, incluant un énorme concert à l’emblématique Alexandra Palace de Londres. Dans un article de couverture pour NME, il a révélé avoir fait écouter leur musique à Travis Barker de Blink-182, et avoir même partagé son admiration pour le groupe avec nul autre que Rick Rubin dans le podcast Broken Record. 

Aujourd’hui est un amalgame surprenant de jazz + électronique + dance + fusion + poèmes + house + ludique + techno + gros boum boum + mélodies + rythmes et harmonies étrangement complexes + interludes + paroles d’une profondeur discutable + impro + mise en scène ambigüe + polyrythmes = vous ne pourrez vous empêcher de danser.

Ayant collaboré avec une variété d’artistes tels qu’Anatole Muster, Button Masher, Roland Cristal, Zac Bulle, Alphonse Bisaillon et Salut C’est Cool, Aujourd’hui redéfinit les conventions de la musique dance en y incorporant absurdité, imprévisibilité, complexité et humanité.

2L est une rappeuse parisienne qui s’impose comme l’une des voix montantes du rap Français. Technique, percutante et sincère, elle mêle profondeur des textes et précision du flow. Issue du collectif Le Secteur, passée par les tremplins RappeuZ et Rappeuses en Liberté et plus récemment par Nouvelle École, elle s’affirme aujourd’hui comme une figure rare d’un rap féminin engagé et réfléchi. Signée chez Hall26 Records, le label de Souffrance, elle incarne une génération lucide et libre, prête à redonner du sens au rap français.

DJ originaire de Strasbourg, aligaTou découvre le milieu du clubbing par la house dance. Elle se plonge naturellement dans le mix comme pour transmettre un héritage passé et présent. Inspirée par Moodymann, Cajmere, Mood II Swing, Dee Diggs, Omar S, DJ Spinna, Theo Parrish… elle puise dans des répertoires variés et familiers où la house se mêle subtilement au hip hop, à la soul, funk, techno, sonorités afro et latin. Le mix devient alors pour elle une manière simple et sincère de partager son univers et de se connecter aux autres !

Makar est une DJ basée à Strasbourg, initiée aux platines en Écosse, nourrie par la house et ses multiples ramifications. Ses sets naviguent entre soulful et ghetto house de Chicago, avec des incursions dans le break UK, toujours pensés pour retourner le dancefloor. En 2019, elle cofonde le collectif strasbourgeois Mal.e.s et anime l’émission Makar[oni] sur ODC Live jusqu’en 2021. Depuis 2022, elle fait partie de Cymatique Records et de la Compagnie Watt, accompagnant la scène house locale.

B2B

DJ & animateur radio, Roylee commence la radio en 2017, avec des émissions et des dj set sur radio, MNE, Tsugi Radio ou encore Hôtel Radio Paris. En club ou à l’antenne il pratique un mix ouvert & sans frontière de genre ni de style très influencé par la culture soundystem & radiophonique anglaise.

Kimia présente un univers où s’entrechoquent sonorités africaines et rythmes électroniques le tout dans sa langue d’origine, le Lingala. En live, chant et danse se conjuguent à travers son regard de jeune femme afro-descendante, tout en mixant instruments traditionnels, beats afro-électro et synthé analogique. Une invitation à explorer un monde imaginaire et onirique où s’expriment nostalgie, visions, désillusions, rage, force et espoir…

Ils viennent des arbres. Aujourd’hui installés dans l’est fertile de Londres, les Snapped Ankles conservent l’énergie sauvage de la forêt. Au cours des sept années qui ont suivi la sortie de Come Play The Trees, leur culte a prospéré. Le deuxième album, Stunning Luxury, a vu le groupe invité à jouer au BBC 6 Music Festival et à une session KEXP, dans le sillage d’une tournée britannique à guichets fermés qui a culminé avec deux soirées au Village Underground de Londres. Ceux qui ont assisté au rituel chamanique de leurs concerts peuvent en témoigner : il s’agit d’une expérience unique et communautaire. 2025 voit la sortie du nouvel album Hard Times Furious Dancing et de leur plus grande tournée à ce jour, qui comprend un concert à Londres dans la légendaire boîte de nuit Fabric. Elle met en valeur le son Forest Rayve qu’ils ont testé lors de leurs soirées en club et de certains concerts en 2024.

Originaire de Strasbourg, FLUPKE est un producteur oscillant entre électro pixelisée, techno décalée et mélodies hypnotisantes… Un bonbon doux et sucré garanti sans descente ! Grâce à son éclectisme et à ses expérimentations autodidactes, il occupe aujourd’hui une place importante sur la scène électronique française, aux côtés de producteurs tels que Ouai Stéphane, Jacques et Roland Cristal. Passionné de t-shirt banane et de la Fusée rouge et blanche, FLUPKE vous fera exploser le casque au décollage !

Mira Ló, née Ana Lopez, est une productrice et DJ queer basée à Paris. Puisant dans tout le spectre de la musique club, ses mixes et ses morceaux mélangent des sentiments mélancoliques à une énergie unique puissante et euphorisante, inspirée par des artistes comme Disclosure, salute ou Sammy Virji. Des bars et mini clubs parisiens où elle démarre sa jeune carrière, jusqu’aux affiches des meilleurs clubs et festivals français (Peacock Society, Marvellous Island, Lollapalooza…), en Europe et jusqu’à Chicago. En 2023 elle prend part dans la série “Women In Electronic” de Apple Music et Tsugi, avant de rejoindre le média parisien en tant que résidente radio. Son troisième opus dévoilé en 2025, Stronger, confirme une fois de plus qu’elle est l’une des artistes les plus prometteuses de la scène électronique actuelle.

À l’image de l’enchevêtrement de câbles multicolores qui s’échappent de leurs modulaires, les Jasmine Not Jafar croient farouchement qu’à deux on forme une multitude ! Si leur attitude brat girl power et la lutte contre le patriarcat imprègnent leur musique, il serait bien réducteur de les ranger dans des cases trop étroites. La techno live du duo a pour destination la teuf, de celle qui convoque Charli XCX, Cobrah et Coucou Chloé, idoles badass avec qui elles partagent un amour du kick insolent et de la basse sale gosse. Leurs voix mariées aux synthés ne vous laisseront d’autres choix que le lâcher prise des corps, f*cked up sous leur puissante hypnose.

Bleu Berline construit une pop française électronique intense et viscérale, portée par sa guitare électrique et ses  synthés. Après un premier EP flirtant avec le million de streams, elle a confirmé son talent avec Verre d’amour, sorti début 2025, un projet brut, personnel et affirmé.

Sur  scène,  elle  déploie  une  énergie  puissante  et  organique,  héritée  de  ses  années  d’expérience  aux  côtés  de  Beat Assailant, Yaël Naim ou Adrien Gallo.

Midva est le projet du pianiste et producteur Nils Boyny, présent sur la scène crossover jazz/électronique strasbourgeoise (Emile Londonien, Cheap House…). Le Lofi Ensemble, c’est un line up de musicien.nes venant d’horizons musicaux variés, avec un instrumentarium singulier.

Pour l’édition 2026 du Pelpass Festival, l’équipe nous a préparé un live qui rassemble une dream team strasbourgeoise , avec une mission commune : revisiter les plus grands hits des chanteuses Lara Issa et Laventure !

Né d’une rencontre fortuite sur SoundCloud entre le chanteur/guitariste Fatboy et le producteur Cillian McCauley, Bricknasty s’est transformé en un véritable groupe avec l’arrivée de Dara Abdurahman (basse), Korey Thomas (batterie) et Louis Younge (saxophone/claviers). Alliant une énergie contagieuse, des accords soul à des voix douces et flottantes, la musique de Bricknasty navigue entre RnB, néo-soul, jazz et psychédélisme, avec des influences revendiquées telles que D’Angelo, MF Doom ou encore Timbaland. La complicité entre les membres et leur cohésion musicale évidente se retrouvent également sur scène, lors de concerts qui ont suscité un bouche-à-oreille à Dublin et au-delà des frontières.

Aussi ludique qu’un chiot mais aussi affuté qu’un rasoir, MOTHERHOOD a le don de faire du art rock conceptuel dans un format décontracté. Ce trio mélange la férocité du punk, la finesse du surf et l’énergie brute du garage pour produire une musique à la fois riffée et rythmée. Leur prochain album, Thunder Perfect Mind, est une histoire inspirée de la science-fiction, philosophique et humoristique. Souvent décrits comme des « Beach Boys maléfiques », MOTHERHOOD livre une performance live tout aussi intense qu’attachante, avec une alchimie née d’une longue amitié.

Simon Lahure aka Dj Startup est à la recherche la formule occulte qui permettra relancer l’épidémie de danse de Strasbourg en 1518. Dans un flow exaltant de mélodies midi, guimbardes, flutiots et ocarinas souffleront la musique d’une teuf antédiluvienne. Sa musique de danse, à la fois joyeuse et envoûtante, mêle rythmes breakés aux accents big beat, EDM et UK garage avec des influences de musiques folkloriques. Inspiré aussi bien par la scène traditionnelle contemporaine que par les OSTs de jeux vidéo et la musique à l’image, il compose des sets où narration et énergie festive se rencontrent.

Les Louanges, c’est le projet de Vincent Roberge, auteur-compositeur-interprète et producer au talent brut et à l’audace musicale avérée. À la fois inspiré par D’Angelo, Gorillaz et Leonard Cohen, il développe au fil des années une signature distinctive – caractérisée par un alliage moderne de funk et de soul enrichi d’un enrobage pop raffiné –, lui permettant de se positionner comme l’une des figures incontournables du renouveau de la musique québécoise.

Cortisa Star est une rappeuse trans de 19 ans originaire de la région du DMV, qui est en train de prendre d’assaut l’industrie. Arrivée sur la scène avec son talent brut et son authenticité sans peur, la musique de Cortisa mélange un rap percutant à une narration puissante, créant un véritable engouement en ligne et lui valant une multitude de soutiens, de Charli XCX à Lil Nas X et bien d’autres. Connue pour son lyrisme sans concession et son son unique, elle est reconnue pour repousser les limites tant dans son art que dans son identité de femme trans, dans un milieu souvent réticent au changement.Le récent succès viral de Cortisa témoigne de son aura indéniable et de l’énergie magnétique qu’elle apporte à chaque morceau. Son dernier single, « Fun », connaît un écho considérable en ligne depuis sa performance virale « From The Block », lui valant des articles dans The Fader, Out Magazine, Dazed et plusieurs autres médias, tout en cumulant plus de 5 millions de streams mondiaux en indépendante.

Avec leur Mantra-rock dada-pythago-cubiste, les espiègles frères de Poitrine invitent à s’égarer dans un vortex de motifs sonores et visuels hypnotisants. A priori asymétrique et dissonante, la musique de ces deux êtres aux grandes tronches incite surprenamment à la danse. Une fois assis sur de solides grooves de batterie, les enchevêtrements complexes de guitares microtonales prennent des airs festifs, le tout dans une exubérance typiquement rock’n’roll. Après une première européenne très remarquée aux Trans Musicales 2025, le fou duo québécois sera de retour en tournée en France en 2026.

Le producteur tunisien Sofyann Ben Youssef, basé au Danemark, crée de nouveaux mondes sonores. Son premier album en tant qu’AMMAR 808 – Maghreb United (2018) – fusionne boîtes à rythmes TR-808 et des basses qui font trembler les os, avec des instrumentistes et des chanteurs folkloriques traditionnels d’Afrique du Nord de Tunisie, d’Algérie et du Maroc. Ce projet suggère un mash-up de science-fiction pan-maghrébin digne des rêves les plus enfiévrés de William Burroughs. Pour son deuxième album, Global Control / Invisible Invasion, paru en 2020, il s’est tourné vers l’Inde du Sud, collaborant avec des musiciens et des chanteurs de renom et imprégnant la musique carnatique et d’autres traditions musicales de l’Inde du Sud de l’énergie du XXIe siècle, tout en explorant les récits anciens du Mahabharata.

Depuis  2017,  ECHT!  enflamme  les  scènes  de  toute  l’Europe,  des  Nuits  Sonores,  Lowlands et Dour Festival aux lieux emblématiques comme l’Ancienne Belgique de Bruxelles et le Jazz  Café  de  Londres.  Le  quatuor  bruxellois  se  nourrit  de précision  et  d’alchimie : quatre  esprits et huit mains qui ne font qu’un. Leur musique instrumentale soulève plus de questions qu’elle n’apporte de réponses, entraînant les auditeurs dans des états de transe hypnotique où le rythme et la mélodie fusionnent, rendant les instruments individuels presque méconnaissables

Accordéon, clarinette et basses puissantes, Le Mange Bal fusionne folk et beats électroniques pour un bal hors normes entre bal folk et free-party. Plongez dans l’univers enivrant du Mange Bal, où les traditions musicales les plus vibrantes de Bretagne, d’Occitanie et d’Auvergne prennent vie dans une fusion sonore époustouflante.

Imaginez une scène électrique où les danses folkloriques se mêlent à l’électro créant ainsi une expérience sensorielle à couper le souffle. Les mélodies ancestrales prennent une nouvelle dimension, portées par des basses percutantes et des rythmes entraînants, propulsant les spectateurs dans un tourbillon de sensations et d’émotions. Le Mange Bal est bien plus qu’un simple concert. C’est une véritable invitation à la transe, à la découverte d’une nouvelle manière d’appréhender la musique et le bal. Avec Théodore et son complice Loïc Vergnaux, chaque représentation est une célébration de la joie et de la fête sans limites.

La talentueuse Scorpio Qveen aime se définir comme « un véritable couteau suisse artistique ». DJ, chanteuse, danseuse, performeuse et musicienne, la « Reine du Dancefloor » incarne à merveille la versatilité, aussi bien sur le devant de la scène que derrière les platines. Membre hyperactive du collectif Maraboutage depuis 2019, la Qveen signe son dernier EP, COURONNE, sur le label éponyme en mai 2024, avec des sonorités dancehall et shatta déjà bien prononcées, à l’image de son amour pour les cultures jamaïcaines et caribéennes.

Une invitation au désordre, voilà ce à quoi nous convie le duo ATOEM sur son premier album. En physique, l’entropie désigne le degré de désordre dans un système. Gabriel et Antoine y voient une analogie avec leur musique qui part souvent d’une orchestration lisible pour finir dans une explosion de sons synthétiques et déstructurés. Avec seulement deux EPs, ATOEM est une des révélations des Trans Musicales en 2018 avant d’être repéré par le MaMA ou les Inouïs du Printemps de Bourges. Au rayon des influences, il y a le duo néerlandais Weval avec lequel ils partagent le goût pour une techno qui ne mise pas tout sur la vitesse, mais sur l’harmonie et les textures. Il y a aussi Atom Heart Mother de Pink Floyd grâce auquel ils embarquent leurs synthés modulaires dans des expérimentations psychédéliques. À rebours de l’époque où le pied frappe fort sur la plupart des dancefloors, Antoine et Gabriel s’épanouissent dans une certaine lenteur. 

Alma Rechtman est une autrice compositrice qui raconte ses amours, ses espoirs, ses monstres et ses joies dans des chansons intimistes. Sa voix rauque, parfois à la limite de la rupture, porte des textes qui disent l’amour, l’abandon, la solitude, la colère douce aussi. Son projet est une déclaration d’amour à la soul, au jazz, aux femmes et à la folk. C’est entre les silences et les respirations que les phrases prennent vie, se déploient. Ses chansons sont des poèmes écorchés qui n’en finissent pas de nous surprendre, incarnés
par une voix puissante et d’une maturité qui ne semble parfois pas vraiment être celle de son âge.

Chanteur et leader de DIRK., maintenant en projet solo, Jelle Denturck se considère comme un grand sensible, avec des références musicales pop et rock indie mélancolique : Bowie, Beatles, Lou Reed, Elton John, Nina Simone, Anohni & The Johnsons, Sufjan Stevens, Perfume Genius, Wilco, Tobias Tesso Jr. … Avec Dressed Like Boys, il voulait écrire des chansons et créer un album entièrement personnel. Non pas pour en faire un projet égocentrique, mais plutôt comme une introspection. Denturck chante la quête de liberté personnelle, parle de ses amis les plus chers, de son homosexualité et de sa relation, mais aborde également des sujets inconfortables comme les agressions homophobes. L’influence de sa collection de disques est inévitable, et le son de Dressed Like Boys évoque principalement les années 70, et permet à Denturck de baisser le volume et d’offrir un regard intime sur sa vie et son parcours.

La Mòssa est un mouvement perpétuel, un tourbillon polyphonique et percussif. Abreuvées à la source de répertoires traditionnels, elles nous offrent aujourd’hui un nouveau plongeon. En créant un set de compositions bien ancrées dans le présent, ces quatre artistes bouleversent avec plus d’âpreté l’apparente naïveté de rythmiques et de mélodies venues de traditions séculaires. A la recherche de sonorité plus rugueuse, elles convoquent avec force les percussions qui deviennent une cinquième voix. Un jubilatoire festin musical, tout à la fois subtil, fiévreux et engagé.

Exploration cosmique, transformation spirituelle, spontanéité débridée… Tels sont les principes directeurs de Pigeon, un quintet psychédélique basé à Margate, ville côtière anglaise, qui façonne une musique transcendant les frontières. Le groupe britannique navigue avec une aisance naturelle entre afro-disco, grunge, no wave et jazz.

Poings serrés, sourcils froncés, intense et bouillonnante, Zélie chante et danse sa force et sa sensibilité dominante sur des chansons énergisantes et crues aux sonorités électroniques. Bavarde et personnelle, sa plume fait partie de celles qui retiennent l’attention par son universalité étonnante devant tant d’impudeur et d’intimité. Après une Cigale complète, elle s’attaque à l’Olympia avec la détermination qu’on lui connaît: elle promet une expérience, un spectacle explosif d’inspiration américaine fusionnant la danse contemporaine, hip-hop, avec sa pop tranchante et acidulée qui saura aussi vous faire sentir proche d’elle et de son univers haut en couleurs.

Membre fondateur du collectif 75e Session, Sheldon en est aussi l’un des artistes emblématiques. Guitariste depuis l’enfance, il a grandi bercé par le jazz, le reggae et le rock. C’est à l’adolescence qu’il découvre le rap et qu’il décide d’en faire son principal moyen d’expression artistique en y mêlant ses influences avec amour et précision. Compositeur et multi-instrumentiste, ses multiples casquettes lui ont permis de créer un univers original au cœur du volcan créatif qu’est son collectif. Sheldon pense chaque projet de manière holistique, travaillant autant l’écriture que la composition et la production. En six EP et trois albums, Lune Noire (2019), Spectre (2021) et Îlot (2023), il a développé une plume à la fois référencée et personnelle, tissant un fil entre une réalité mélancolique et des rêves habités de fantastique, riches en métaphores et en images.

Le Bénin International Musical – alias BIM – est un groupe unique qui redonne au rock et au rap leurs origines vodouns. Chaque prestation est une cérémonie contemporaine, une expérience rare à ne surtout pas manquer ! Déjà fort d’une tournée internationale de plus de 70 dates dans plus de 20 pays en seulement deux ans (Europe, Afrique, États-Unis, Canada), le BIM offre une prestation à guichet fermé au Performing Arts Center de New York en 2018. Ils sont repérés par Angélique Kidjo qui leur ouvre les portes du mythique Carnegie Hall en 2019, qui affichera aussi « sold out ». Commissioner Gordon Williams, producteur américain aux 7 Grammy Awards (Alicia Keys, Lauryn Hill, Amy Winehouse, Steven & Damian Marley, Carlos Santana, Quincy Jones) signe l’enregistrement du nouveau single « Abobo ». 

Le Bénin International Musical – alias BIM – est un groupe unique qui redonne au rock et au rap leurs origines vodouns. Chaque prestation est une cérémonie contemporaine, une expérience rare à ne surtout pas manquer ! Déjà fort d’une tournée internationale de plus de 70 dates dans plus de 20 pays en seulement deux ans (Europe, Afrique, États-Unis, Canada), le BIM offre une prestation à guichet fermé au Performing Arts Center de New York en 2018. Ils sont repérés par Angélique Kidjo qui leur ouvre les portes du mythique Carnegie Hall en 2019, qui affichera aussi « sold out ». Commissioner Gordon Williams, producteur américain aux 7 Grammy Awards (Alicia Keys, Lauryn Hill, Amy Winehouse, Steven & Damian Marley, Carlos Santana, Quincy Jones) signe l’enregistrement du nouveau single « Abobo ».